martes, 25 de septiembre de 2012

EL COLOR ESCARLATA

                                  TIERRA DE LOS PADRES              Por Leo Chubelich    
 
Las palabras se piensan, se repiten, se critican. Las palabras son acciones, son políticas y son política, son determinantes. Y no se discuten sólo las ideas sino, y sobre todo, la forma que éstas adoptan en el lenguaje. Hablar de "Tierra de los padres" de Nicolás Prividera implica hablar de la palabra íntimamente ligada a la Historia de nuestro país. La palabra ilustrada, florida, hecha dialéctica elegante para ilustrar el contrapunto rabioso entre dos modos de pensar y pensarse: el de los vencedores y vencidos; esa cosmovisión bipolar en que se ha refrendado nuestro país.
La idea de Prividera consiste en que distintas personas, bajo la forma de un poema - ensayo cinematográfico, lean a cámara distintos textos correspondientes a los "hacedores de la patria", alternando una idea de diálogo feroz entre el modo y el contenido: algunos serán lectores entusiastas; otros más cadenciosos y pausados; unos más titubeantes y trastabillantes; otros menos inteligibles, pero todos hablarán de la Historia con mayúscula de nuestra nación, atrincherada en la hipocrecía de sus monumentos patrios y en la cruenta tribuna de las diferencias entre civilizados y bárbaros, unitarios y federales, proletarios y oligarcas, dominantes y dominados, peronistas y anteperonistas, militares y subversivos. Todo ello en un espacio sobrecogedor y simbólico a la vez: el cementerio más antiguo de Buenos Aires, es decir, el cementerio de la Recoleta.
Prividera interpela al espectador con su dispositivo, nos obliga a pensar que el aliento vital de la República Argentina siempre se ha correspondido con los baños de sangre, con la brutalidad (reiterada en los textos) de la palabra "exterminio", con el negacionismo del que piensa diferente, la obliteración del adversario transfigurado en "enemigo". Los hacedores de la Patria han sido, a través de sus discursos fundacionales, padres violentos, caníbales, autoritarios, salvajes y amantes de las "soluciones definitivas". Los textos escogidos nos obligan a la reflexión porque son rupturistas desde su sustancia misma de corte ideológico, de marcado enfrentamiento, de reconocimiento de que alguien debe prevalecer sobre otro a través de la muerte. Es Thanatos sin Eros en la tierra de los muertos de la Recoleta, entre caducidad de polvo y retórica de mármol, entre augustas efigies presidiendo panteones y mausoleos, pero también entre la humanidad de los hombres que cuidan y preservan de la corrupción las tumbas, los laburantes anónimos que, a través de alguna charla circunstancial ligada a cuestiones de sueldos y dinero, habrán de dejar expuesta su fragilidad y al mismo tiempo su condición de guardianes de la muerte venerable, cifrada en tan abrumadora estatuaria. Para Prividera, de alguna manera, sus intérpretes lectores también están hechos de posteridad, como lo atestigua la desaparición, implícita condición evanescente, tras la lectura. Vivos integrados a los muertos, fantasmáticos, voces silenciadas que se cuelan en el recogimiento y la magna presidencia de tanta efigie doliente. Con "Tierra de los padres", Prividera elabora la respuesta a cómo narrar lo político, así, sin estridencias, con la dicotomía de voces encontradas que dan cuenta de los baños de sangre de los cuales estamos forjados, reinventados una y mil veces para regresar a reinventarnos en los baños de hemoglobina que serán. Prividera es audaz porque, en sus palabras, hay que "jugar al desencanto o a la profecía social", dejar testimonio de las luchas intestinas, de la sinrazón, de los exilios del cuerpo y del alma, de las desapariciones y de tanto poder detentado, mal parido, malhablado a pesar de tanta pluma elegante. No estamos hechos de ríos de tinta sino de ríos de sangre, como ese río de la Plata de los tramos finales.
"Tierra de los padres" exige, demanda de un espectador atento y despierto, dispuesto a dejarse llevar por su aparente inmovilidad, a adentrarse en vastos páramos de ficcionalización de la barbarie colectiva. Es una visión de la Historia, un recorte, y tal vez sea ese el principal déficit de su factura, pero una de las visiones posibles que dará paso a nuevas formas de repensarnos. Será de otros, tal vez, ocuparse de otros segmentos siniestros de nuestra vida política y social como la asonada del 6 de setiembre de 1930 que otorgaba legalidad al golpe de estado citando erróneamente a Constantineau o la infame " Revolución Argentina " que derrocó a uno de los presidentes más honestos que tuvo este país, el dr. Arturo Illia.
Sobre el final de su viaje (que es, asimismo, también el nuestro como hijos de la generación violenta de 70), "Tierra de los padres" utiliza el "Va, pensiero", coro del tercer acto de la ópera Nabucco, de Verdi, que posteriormente fue adoptado como himno resistente contra el exilio y la nostalgia por los patriotas italianos que bregaban por la unidad nacional y la soberanía, para conectar el cementerio oficial con el no oficial, ese desierto líquido hecho de inmensidad e interrogantes y que recibe el nombre de río de la Plata. L.C.

TRAILER - TIERRA DE LOS PADRES


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viernes, 21 de septiembre de 2012

DANIEL SAN VS. DRE

                                                      KARATE KID                por Leo Chubelich  
 

Vayamos por partes: como bien dice Marcos Navarro, las dos versiones de "Karate Kid" son nobles espectáculos de ese subgénero llamado " películas deportivas", y si me preguntan a mí, como espectador moldeado cinematográficamente en la década del 80 y por una cuestión de memoria emotiva, me inclino, en la pulseada entre original y remake, por la película dirigida por John Avildsen y protagonizada por el olvidado Ralph Macchio (digresión pertinente: hace poco vi a Macchio en TZM, ese programa que, con malicia e ingenio, somete a la befa y al escarnio al "show business" americano). Ahora bien, hay detalles que hacen de ambas experiencias fílmicas dignos exponentes a considerar.
En primer lugar, es decididamente un milagro que la nueva "Karate Kid" haya salido bien si tenemos en cuenta que su director es Harald Zwart, responsable de subestándares oprobiosos como Agente Cody Banks y La Pantera Rosa 2. Prueba concluyente de que, en ocasiones, la labor colectiva de equipo creativo y voluntarioso puede suplir las deficiencias de directores mediocres. Digno es remarcar que esta remake incluye una secuencia virtuosa: aquella, filmada con subjetiva y cámara lenta, en la que el protagonista recibe una golpiza colectiva, secuencia que sabe crear un interesante clima de irrealidad, profundizado por los primeros planos del rostro odioso del villano, hallazgo si los hay de esta película.
Ahora, si bien ambas películas son decididamente idénticas (chico recién llegado a la ciudad, ausencia de figura paterna, abusos reiterados por parte de un grupo de alumnos del establecimiento educativo al que concurre, métodos no convencionales para aunar reflejos y técnicas de defensa personal con el objeto de superar la adversidad), la nueva Karate Kid presenta interesantes diferencias.
El señor Miyagi ahora se llama Han, y Han es el enorme Jackie Chan, que aporta a su personaje toda la doliente humanidad que no supo transmitir su predecesor. Pocas veces se lo ha visto a Chan tan vencido, aplastado por el paso del tiempo, surcado por esas estrías crueles que amablemente bautizamos arrugas, como en esta oportunidad. Un Han estragado por el alcohol que deberá apoyarse, las más de las veces, en su pupilo para continuar.
Otra diferencia sustancial con la versión original es que aquí se ha bajado la edad de su protagonista de diecisiete a doce, lo cual ha permitido la incorporación del hijo de Will Smith, Jaden Smith, que ahora es Dre en lugar de Daniel. Una de las decisiones más curiosas de " Karate Kid 2010 " radica en liberar la autoconciencia y dejarse llevar por la idea de que este chico puede derribar las instancias aciagas, convirtiéndose en un atleta consumado sin disponer de formación anterior de índole alguna. En la película de Avildsen, Daniel San presentaba de antemano algunos conocimientos básicos de Jiu Jitsu; aquí no hay experiencia previa. Dre se transforma en un competidor marcial de la noche a la mañana, sin reforzar visualmente y en demasía el esfuerzo de ligar reflejos a la automatización de las tareas domésticas. Algo así acentúa ciertos rasgos que remiten al cuento de hadas, sosteniéndose la idea de que cualquiera, con la sustentabilidad del esfuerzo, puede erigirse en un nuevo Dre. Estas, a mi entender, son algunas de las diferencias que marcan distancia entre ambas versiones, además, claro está, de los aspectos técnicos, mayormente relevantes, que planteaba Marcos en su crítica. De más está decir que la película de Zwart está bien filmada, luce grandes peleas, y se mueve con soltura en el terreno de las emocionantes películas deportivas. L.C.





TRAILER - KARATE KID (ORIGINAL)

TRAILER - KARATE KID (REMAKE 2010)
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jueves, 20 de septiembre de 2012

PELIGR"OSO"

                                                        TED                              Por Leo Chubelich 

Cito a Leonardo M D`Espósito: " Los cuentos de hadas tienen varias características implacables. La primera: transcurren en un universo similar al del sueño, donde cualquier cosa es posible. La segunda: son materialistas. Efectivamente: a diferencia de los libros sagrados, donde el monopolio de lo imposible lo ejerce una fuerza moral (llámese Dios o dioses, para el caso es lo mismo) a voluntad y descontroladamente, en los cuentos de hadas la magia es precisa, los hechizos tienen contrahechizos, no se pueden usar a voluntad y cada encantamiento está rigurosamente atado a la mecánica del mundo. Es la dialéctica del hechizo: si mentís, te crece la nariz; si te hago un vestido encantador, se te va a hacer trizas a las doce de la noche; si te agarrás una modorra secular, para despertarte te tienen que besar. Y así todo. "
Queda claro, entonces, que el cuento de hadas plantea la disolución de Dios, y también podríamos agregar que narra la disolución de la inocencia o su triunfo en un mundo donde ha desaparecido.
Es inocente John Bennett, cuando a los ocho años de edad le pide a una estrella fugaz que su oso de peluche pueda hablar y se transforme en su mejor amigo por siempre, cosa que efectivamente sucede para beneplácito de la notoriedad. Ambos crecen y son famosos por un tiempo, pero veinticinco años después, Ted (tal es el nombre del plantígrado) sigue pegado a su dueño, lo cual resulta contraproducente porque en la vida de John está Lori, su novia desde hace cuatro años.
"Ted" es la primera película de Seth Mc Farlane, creador de series televisivas como Family Guy y American Dad, y es una comedia corrosiva que presenta a un peluche que fuma drogas, frecuenta mujeres (especialmente prostitutas), consume filmes ochentosos pésimos pero entrañables (las múltiples referencias a Flash Gordon, aquella cinta protagonizada por el olvidado Sam Jones y musicalizada por Queen, incluyen uno de los mejores comentarios que escuché en mi vida acerca de estos artefactos: Es malísima, pero está buenísima) y regurgita groserías a la velocidad de un rayo. Mc Farlane se encarga de elaborar una trama escatológica que dispara aquí y allá una batería de incorrecciones para lucimiento de su Ted - el oso lleva su voz y podría catalogarse como su álter ego -, que dan en el centro de la diana las más de las veces, y que refuerzan esa problemática que es estría desopilante en ese " corpus " bautizado " Nueva Comedia Americana ": la resistencia a la adultez, la negación al cambio y a aventurarse en la terra incognita de la nuevas responsabilidades, especialmente cuando el cambio tiene el bello rostro definido de Lori Collins (Mila Kunis, de Amigos con beneficios) que demanda a su pareja que se deshaga del peluche.
"Ted" es la eyaculación chistosa, filosa, de variadas alusiones a la cultura popular de su protagonista deforme, pero no es lo único sobre lo cual gira este artefacto. Mc Farlane también permite que sus protagonistas de carne y hueso brillen, como el gran Wahlberg que ya ha dado muestras de su talento para la bizarrada en la desopilante " Policías de repuesto " de Andy Mc Kay y la fotogénica Mila Kunis, más afín a este tipo de exponentes y que se ve obligada a lidiar con los restantes vértices inmaduros del triángulo

El tipo de relación sentimental que el film expone adquiere espesor porque se trata, ni más ni menos, que de construir un espacio de intimidad que se legitima porque hay dos personas que se aman. Mc Farlane, asimismo, también acierta en ello: logra que nos importe lo que le pasa a esa pareja. Y Mila Kunis, con sus ojos grandes de Animé, sabe traslucir, en los momentos difíciles, que está muriendo de amor. Al tratarse de un cuento de hadas y como decíamos al principio, hay momentos que se vuelven surrealistas al liberarse la autoconciencia de los ochenta: la fiesta organizada por Ted en su apartamento y a la que asiste Sam - Flash Gordon - Jones y la pelea a trompada limpia entre el peluche y John Bennet. En la primera, está tan bien filmada y se vuelve vertiginosa al meter tantos chistes a lo bestia que el manejo bombástico del humor no da tregua al espectador; En la segunda, simplemente asistir a una trifulca entre un peluche y un humano se convierte en EL acontecimiento de la película. "Ted" libra una batalla por convertirse en el primer "cuento de hadas escatológico" comercial de la historia o profundizar en los vínculos de pareja con el siempre redituable filón de los adultos que desisten de crecer. Al final, el cuento fantástico se fagocitará todos los piélagos por donde viaja el film y la trama bajará sus · decibeles ", sensibilizándose peligrosamente. Cortina de humo para que Mc Farlane le haga proferir a su muñeco maldito otro "one liner" abrasivo para reírse de todo y de todos. L.C.

TRAILER - TED

martes, 18 de septiembre de 2012

Mi nena es un "dibbuk"

                              Posesión satánica          Por Leo Chubelich

 
 
Otra más de exorcismos, rituales de purificación y sacerdotes. La respuesta pavloviana que aparece, confortable y fácil, es "El exorcista", pero hablar de la película de William Friedkin, canónica por donde se la mire, es como asociar a Strauss, pinino de la melodía previsible, a todo casamiento. Ahora es el turno de "Posesión satánica" en la que Clyde, un entrenador de basquet en pleno proceso de divorcio, concurre con Em y Hannah, sus dos hijas adolescentes, a una venta de garage donde hay una caja que llama la atención de Em. El hombre compra la caja y la misma va a parar a su domicilio, donde las chicas pasan los fines de semana junto al progenitor. Está claro que en la caja hay un espíritu que quiere vivir y que se irá apoderando paulatinamente de la chica. La salvedad es que en esta oportunidad no estamos en presencia del Lucifer católico, sino de un "dibbuk" o espectro maligno judío, lo que después justificará la aparición de un exorcista interpretado por el cantante Matisyahu, elemento éste que conforma, tal vez, lo más débil de la trama.
"Posesión satánica" está presentada por el gran Sam Raimi y dirigida por el director Ole Bornedal, quien ya había trabajado en EEUU en la menos conocida "La sombra de la noche", y presenta el repertorio de "greatest hits" de ojos desorbitados, vómitos, extremidades en ángulos imposibles y rostros constipados más malos que las hienas malas. Sin embargo, a diferencia de otros exponentes del género que hacen foco en la posesión, hay una enorme voluntad por mostrar la incidencia de este cuadro disruptivo y asombroso en las relaciones familiares, fragmentadas y acusadas de enorme deterioro por la situación de divorcio que sobrevuela tangencialmente la película. Bornedal filma bien, nunca se deja arrastrar por las convenciones del género (la virtuosa secuencia de la nena poseída en la cocina, transfigurándose en otra cosa pero atenuando la metamorfosis a través del filtro distorsivo de un frasco, por caso), elige locaciones que instilan inquietud y sabe dónde poner la cámara en su afán de salirse de los lugares comunes, pero su película nunca abandona su lógica de " drama familiar " en el que se trasfunden elementos del cine de terror. Si ustedes me preguntan qué le falta a "Posesión satánica" para salir de la media de tanta película similar, mi respuesta sería que hubiera sido preferible revolcarse más en el barro, entregarse sin remilgos a una mejor utilización del fuera de campo (indispensable en esto de convocar al espanto sin mostración) y aceitar las clavijas del "timing" inmersivo. Pero no, Bornedal elige la ruptura de pareja y sus consecuencias en el tejido familiar, como si pretendiera amalgamar Bergman con - nuevamente el albur de la referencia - El exorcista. Y todos sabemos que la tragedia emocional de esta familia, que incluye nueva pareja de la madre interpretada por Kyra Sedgwick, es demasiado elemental como para pensar que hubiera sido de la atención del autor de Persona. Una pena para Natasha Calis, que realmente mete miedo con su interpretación, que ni Raimi ni Bornedal hayan confiado del todo en tanto potencial. L.C.

TRAILER - POSESION SATANICA

lunes, 17 de septiembre de 2012

PASADO Y PRESENTE


                                     KARATE KID (THE KARATE KID)     Por Marcos Navarro
 
Podemos encontrar diferencias entre estas dos entregas de una misma historia? Si, por lo menos un par: Mientras Daniel Larusso (Ralph Macchio) se pasa la película entera encerando y puliendo los autos del señor Miyagi (Pat Morita), pintando su cerca, su casa, y lijando el piso de su patio, por otro lado y más de 25 años después, Dre Parker (Jaden Smith) se pasa horas calzando y descalzando su chaqueta bajo la lluvia. Ambos sacan provecho de dichas actividades.
Por otro lado, si comparamos los maestros, en mi caso personal, me parece más gratificante la personalidad y sabiduría de Miyagi, su paz interior y tolerancia, aunque el señor Han (Jackie Chan) es mucho más ágil y agresivo que Miyagi. Que tienen en común Miyagi y Han?: Que por ninguno de los dos das un centavo pero ambos te parten la cara; El de 2010 por su atuendo de plomero y esa gorra ridícula, y el primero por su edad y su cara de bonachón no asusta a nadie, hasta que se pone en guardia.
Obviamente, el hecho de que la nueva versión tiene 25 años de evolución cinematográfica (técnicamente hablando) a su favor, la convierte en una versión más rápida y dinámica sobre todo en las escenas de combate que están filmadas a un gran nivel.
Otro punto a favor de la versión 2010 es la escenografía de China, y, me pareció muy educativo resaltar ciertas facetas de la cultura de ese pais, sobre todo teniendo en cuenta que esta "remake" está dirigida a un público infanto/ juvenil. 
Para finalizar, tengo que decir que me gustaron mucho las dos entregas, aunque, por una razon nostálgica, si tengo que elegir, me quedo con la primera. M.N.
 Montaje foto: Marcos Navarro


"Si proviene de tu interior; siempre estará bien" - Sr. Miyagi.

"Tu serías el maestro Yoda y yo un aprendiz de Jedi" - Dre Parker.
 
  
 
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jueves, 13 de septiembre de 2012

EL VIAJE A NINGUNA PARTE

                                           ESSENTIAL KILLING             Por Leo Chubelich 
 


Hay películas que nos duelen hasta en los huesos, físicas, estragantes. Me viene a la memoria "Apocalypto" del lunático Mel Gibson: un verdadero martirologio que tenía la virtud de crispar cada coyuntura del espectador. Ahora le toca al turno a un notable ejercicio de estilo llamado "Essential killing" (observación: como pocas veces se respetó en esta ocasión el título original! Aleluya, hermanos distribuidores!).
La cosa es simple: un hombre perseguido en el desierto de Afganistán o Irak (la película nunca nos regala información contextual, pero es claro que el talibán? intenta sobrevivir) mata a tres soldados americanos. Es capturado, torturado y enviado a un centro de detención ilegal en Europa. Un accidente le permite escapar y así lo hace: lo espera un bosque helado y condiciones climatológicas inhóspitas. Y, claro, un ejército que no parece adscribir a la legalidad de los estados dispuesto a cazarlo. Ni política ni provista de metafórica política (en ese sentido, no declama ni intenta abordar cuestiones de política exterior estadounidense), "Essential killing" sólo se propone acicatear al espectador con el progresivo envilecimiento de su protagonista. Aunque suene reiterativo, antes que política es poética; claro está que su poesía es áspera, incómoda y filosa como una piedra. Es, en ese sentido, un film de acción con carga abstracta que va hacia delante, pero también a ninguna parte. Jerzy Skolimovsky, su director, nunca toma parte en la persecución; deja que su protagonista (un notable Vincent Gallo que siempre da la talla) se hunda en su desesperada sujeción a la vida, ya sea comiendo hormigas, cortezas, succionando el pecho de una mujer que pretende amamantar a su recién nacido o asesinando, y con ello pone en movimiento la báscula de nuestra propia moral, interpelándonos sobre lo que haríamos en tal escenario, hambrientos, enfermos, disminuídos y rodeados de personas que no comprenden nuestro lenguaje y a quienes no comprendemos. "Essential killing" es, a través del lenguaje poderosísimo del cine, una puesta en escena de los límites del hombre en su afán de supervivencia y un estudio entomológico del embrutecimiento sin límites al que estamos dispuestos en ese afán de supervivir. Casi al final, habrá un acto humanista y la posibilidad de un alto, una ligera interrupción frente a tanta adversidad, pero claro está que el camino de la redención no está hecho de un solo acto. L.C.


TRAILER - ESSENTIAL KILLING

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jueves, 6 de septiembre de 2012

PARA VER EN CASA

PROYECTO X
 
Una simpática comedia adolescente, solamente para ese público específico. "Proyecto X" en sus primeros 2o minutos es bastante aburrida y ordinaria, principalmente por ese estilo de falso decumental que comenzó con "El proyecto Blairwitch" y que hoy en dia ya no engaña a nadie, aunque después de ese tramo mejora un poco sin llegar a ser una gran cinta. Una historia mas que trillada de lo que parece ser la mas grande obsesión de los adolescentes Norteamericanos: Una fiesta privada con alcohol, mujeres desnudas y drogas. Si bien por ahi se dice que esta basada en hechos reales, me parece que han sido exagerados al momento de contar la historia. Es entretenida, principalmente al final de la película en el momento en que la acción se apodera de la historia. Si tienen menos de 30 años pueden verla tranquilos ya que la van a disfrutar mucho, mas allá de lo básico de la historia: Una fiesta que prometía ser tranquila se sale de control y toma proporciones épicas.
Para los que tuvieron la oportunidad de verla y la han disfrutado, la buena noticia es que la secuela no tarda en llegar, se estaría estrenando a mediados de 2014.
En las críticas de esta película van a encontrar a aquellos que la defenestran y otros que la aclaman; yo me quedo en el medio. M.N.

Elenco:
Thomas Mann, Oliver Cooper, Jonathan Daniel Brown, Kirby Bliss Blanton, Madison Patrello.

Director:
Nima Nourizadeh

TRAILER - Proyecto X
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lunes, 3 de septiembre de 2012

MEDIO TORNILLO

            LOS 3 CHIFLADOS (THE THEEE STOOGES)        Por Leo Chubelich


Antes de que termine Los tres chiflados de los hermanos Farrelly, dos ursos, mezcla de Ryan Gosling con modelos de protector solar y que aducen ser los hermanos directores, alertan a los niños sobre los peligros de actuar como los lunáticos del film. Una sobreexplicación ridícula que, disfrazada de chanza, procura salir con elegancia del absurdo didáctico de que golpes, piquetes y correctivos con objetos contundentes son de mentira y a los efectos de la ficción con utilería. Cómo habrán cambiado los tiempos para incluir semejante coda! Película sí, juicios no: y la primera prueba irrefutable de que estamos en el miedoso y conservador siglo XXI.
Los hnos. Farrelly siempre se caracterizaron por dar protagonismo a personajes con discapacidades. La incorrección política no hacía más que validar a los freaks frente al mundo dejándonos a nosotros, los espectadores aparentemente " normales ", como los verdaderos freaks. Un mecanismo de inversión que tenía la sutileza de un dromedario en un bazar pero que era en extremo divertido.¿ No era acaso " Tonto y retonto" una relectura made in Farrelly deLos tres chiflados ? Sin embargo, la comedia americana ha recorrido un largo camino desde Judd Apatow para acá y ya no es posible el regodeo exclusivo en la memez, la estupidez " larger than life " para motorizar todo el humor, todo el diseño, todas las acciones, y de paso mostrarnos el estado de absurdo del mundo.
La versión 2012 de Moe, Larry y Curly reproduce el mismo musical inicial, igual estructura episódica, idéntica gráfica y tono desquiciado. Está todo; y tres protagonistas que son la mímesis perfecta de los originales ( tanto es así que aterra ver el catálogo de gestualidades y mohínes ). ¿ Es efectivo un humor que se volvió bronce hace cincuenta años ? La respuesta es si y no. En Los tres chiflados hay un orfanato católico y una batería de chistes cuyo blanco predilecto son los huérfanos ( malicia marca registrada de los Farrelly ), una monja llamada Mary Mengele ( Larry David vestido de mujer y más malhumorado que nunca ) que es la pesadilla de la institución, la amenaza de clausura del establecimiento a causa de sus dificultades económicas y abundante humor slapstick, conforme al modelo original, una vez que los orates salen al mundo real dispuestos a recolectar los 830.000 dólares para el salvataje del internado. ¿ Alcanza con lo mencionado ? No, porque el humor incorrecto y de demolición de los hnos. nunca llega a despegar del todo, afectado por un contrapeso que se aloja en el núcleo canónico de la ingenuidad de la serie original. Y porque Los tres chiflados siempre fueron estupendos en pequeñas dosis ( recordemos que cada episodio tenía una duración de 18 minutos ). Noventa minutos independizados de esa concisión pueden resultar una eternidad, aunque se agradece el hallazgo de considerar el elenco del reality Jersey Shore como los hijos bobos de Moe, Larry y Curly. Los tres chiflados es una declaración de amor hacia los míticos comediantes, puro homenaje hecho producto, y está bien. Me dirán ustedes, ¿ qué es lo que falta ? Pues, los hermanos Moe y Curly Howard, y su amigo Larry Fine. Nada más y nada menos. L.C.

TRAILER - LOS 3 CHIFLADOS 2012
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